Flamenco - Estrella Morente

"Só saberei viver cantando e num ambiente claramente flamenco"

Estrella Morente

Nascida em Granada em 1981.

Filha do maestro Enrique Morente, da bailarina Aurora Carbonell e neta do Guitarrista de Flamenco “Montoyita”, Estrella cresceu e amadureceu como artista num ambiente de Flamenco.

Tem ganho inúmeros prémios, nomeadamente os Prémios “Onda” na categoria de melhor criação flamenca e esteve nomeada para os Grammys Latinos e Prémios Amigo.
Estrella Morente tornou-se na nova coqueluche de Pedro Almodovar ao dar voz a «Volver» tema-título do mais recente filme do realizador espanhol protagonizado por Penélope Cruz.

Aos 26 anos é já considerada como um dos nomes mais promissores do Flamenco.

Dotada de uma voz cristalina, Estrella Morente move-se suavemente entre tons quentes e sedutores, e frases emotivas e arrebatadas.

Estrella possui um conhecimento profundo da sua arte, assim como um refinado gosto que lhe é inato, o que a tornou numa referência tanto para os aficionados do Flamenco como para os amantes da música em geral, combinando as influências da sua terra natal - Granada - com as novas tendências do Flamenco do novo milénio.

«Mujeres», o seu novo álbum, é um tributo a grandes figuras femininas.

O canto de Estrella Morente não é puro nem ortodoxo mas contém elementos únicos e personalidade, o que constitui uma verdadeira revolução no panorama da tradição do «Cante Flamenco».


O FLAMENCO

O flamenco é um estilo musical e um tipo de dança fortemente influenciado pela cultura cigana, mas que tem raízes mais profundas na cultura musical mourisca, influência de árabes e judeus.
A cultura do flamenco é associada principalmente à Andaluzia na Espanha, e tornou-se um dos ícones da música espanhola e até mesmo da cultura espanhola em geral.
O "novo flamenco" é uma variação recente do flamenco que sofreu influências da música moderna, como a rumba, a Salsa, o pop, o rock e o jazz.
Originalmente, o flamenco consistia apenas de canto (cante) sem acompanhamento. Depois começou a ser acompanhado por guitarra (toque), palmas, sapateado e dança (baile). O “toque” e o “baile” podem também ser utilizados sem o “cante”, embora o canto permaneça no coração da tradição do flamenco. Mais recentemente outros instrumentos como o “cájon” (uma caixa de madeira usada como percussão) e as castanholas foram também introduzidos.

Muitos dos detalhes do desenvolvimento do flamenco foram perdidos na história da Espanha e existem várias razões para essa falta de evidências históricas:
-Os tempos turbulentos dos povos envolvidos na cultura do flamenco

-Os mouros, os ciganos e os judeus foram todos perseguidos e expulsos pela inquisição espanhola em diversos tempos durante a “Reconquista”

-Os ciganos possuíam principalmente uma cultura oral. As suas músicas eram passadas às novas gerações através de actuações em comunidade

O flamenco não foi considerado uma forma arte sobre a qual valesse a pena escrever durante muito tempo. Durante a sua existência, o flamenco esteve dentro e fora de moda por diversas vezes.
Foi nesta situação social e economicamente difícil que as culturas musicais de judeus, ciganos e mouros começaram a fundir-se no que se tornaria a forma básica do flamenco: o estilo de cantar dos mouros, que expressava a sua vida difícil na Andaluzia, as diferentes “compas” (estilos rítmicos), palmas ritmadas e movimentos de dança básicos.

Muitas das músicas flamencas aindas reflectem o espírito desesperado, a luta, a esperança, o orgulho e as festas nocturnas durante essa época.
Música mais recente de outras regiões de Espanha, influenciaram e foram influenciadas pelo estilo tradicional do flamenco.

in http://pt.wikipedia.org/

Ballet Comique de la Reyne

No mundo do Renascimento em vias de secularização, as artes que estavam até então a serviço da Igreja, tornaram-se símbolo de riqueza e poder.
Quando Catarina de Médici, bisneta de Lourenço, o Magnífico, foi para a França para se casar com o duque de Orléans (futuro Henrique II), trouxe consigo um grupo de músicos, dançarinos e coreógrafos da corte de Florença. Baldassari de Belgiojoso, que afrancesou o seu nome para Balthasar de Beaujoyeux, transformou o ballet da corte em ballet teatral.
Em 1581, na corte de Henrique III, em Fontaineblau, ele realizou o Ballet Comique de la Reine, juntando pela primeira vez a dança, a música e o drama teatral, em torno do tema mitológico da feiticeira Circe, utilizou amplamente maquinaria e jorros de água, criando um espectáculo nocturno de seis horas e dez mil espectadores. O sucesso foi enorme, cópias da música, libreto, foram enviadas a todas as cortes da Europa. Tinha nascido o ballet clássico.

O Ballet Comique de la Reine, foi encenado pelos próprios nobres da corte, e contou ainda com a participação da rainha e das suas damas de honra, tendo como convidados, mais de dez mil pessoas. Teve um custo de três milhões e meio de francos.

Claro, que este início está longe de representar o Ballet como o conhecemos actualmente, a sua parte técnica misturava-se com danças populares.

O Ballet atinge a sua popularidade, quase 100 anos mais tarde, através do Rei Luís XIV.

O seu título, “Rei Sol” vem do triunfante espectáculo “Ballet Royal de La Nuit”, montado em 1653, onde Luís XIV foi associado ao astro-rei.

Têm-se conhecimento de que esta peça tenha durado mais de 12 horas.
Neste espectáculo, o Sol entrava no salão, com a finalidade de clarear e livrar uma casa em chamas (a França) de saqueadores (o povo), que assim agiam protegidos sob a escuridão da Noite. Com ele entravam também a Honra, a Graça, o Amor, a Riqueza, a Vitória, A Fama e a Paz.

Em 1661, foi criada a Académie Royale de la Danse, que pode ser considerada a primeira escola destinada a sistematizar o ensino do Ballet, desenvolvendo um esquema básico e rígido de posições de cabeça, tronco, braços e pernas, sob a fundamental orientação de Pierre Beauchamps.

A partir de então o Ballet era dançado por profissionais e passou a ser apresentado para um público pagante em teatros, o que, certamente, modificou as relações anteriores entre espectador e artista.
Em 1725, Pierre Rameau, definiu a posição “en dehors” dos pés e as cinco posições fundamentais da dança clássica.
Os movimentos na dança eram limitados pelos complicados e pesados figurinos.

Uma das mais famosas bailarinas foi Marie Camargo, que causou sensação por encurtar sua saia até a canela, calçar sapatos leves e assim poder mostrar os passos executados, além de dançar sem peruca, com o cabelo desalinhado.

Em breve, outras bailarinas copiavam-lhe as inovações, sendo finalmente adoptadas as saias transparentes conhecidas por “tutu”, que são a marca de toda a bailarina clássica.

Na era romântica do Ballet (1830 a 1870), o mistério estava presente, as imagens sobrenaturais, sombras, espíritos, bruxas, fadas, caracterizavam um mundo de sonhos e fantasias.
Desse modo, os progressos científicos da época contribuíram para a realização dos ideais românticos em espetáculos cénicos.
A ILUMINAÇÃO A GÁS, foi responsável por belos, surpreendentes e fantásticos efeitos. No entanto, muitos acidentes aconteciam, pois algumas bailarinas, ao passarem pelos bastidores, tinham as suas roupas incendiadas.
Outro progresso significativo foi o surgimento dos saltos e “Pas de Deux”.
Para dar maior sensação de elevação, as bailarinas eram suspensas por arames de engenhoso maquinismo, para dar maior ilusão do sobrenatural. Isso fazia com que as mulheres conseguissem encostar sómente os dedos dos pés no chão.
Os sapatos de ponta vieram realizar o ideal romântico que se tornaria definitivamente o símbolo da bailarina clássica, e substituiria os engenhos mirabolantes utilizados até então.
Marie Taglione foi uma das primeiras bailarinas a utilizar sapatos especiais de pontas, dando a ilusão de que saía do chão.

Foi feito para ela o que é considerado o primeiro Ballet Romântico: “La Sílfide”.

Durante estes primeiros anos de conhecimento e desenvolvimento na técnica de ponta não existiam sapatos especiais; as bailarinas acolchoavam, forravam os seus sapatos com algodão, lã e cerziam as pontas, para que elas dessem uma estabilidade maior.

Os modernos sapatos de ponta apareceram durante o ano de 1860, e têm sido desenvolvidos até hoje para proporcionar maior conforto sem causar lesões.
O ballet foi-se tornando uma regularidade na corte francesa que cada vez mais o aprimorava em ocasiões especiais. Enquanto as demais danças surgiam e desapareciam com a mesma rapidez, o ballet tornou-se uma arte imortal, sem nunca esquecer de retratar o momento histórico da época.
Tradicionalmente o período do carnaval, que começava então em Janeiro, era festejado com muitos espectáculos de ballet e a utilização de máscaras era fundamental para tal comemoração.
Os Ballets de Máscaras vieram a introduzir um novo estilo para a dança, deixando de ser muito teatral, aliando-se apenas ao puro divertimento da corte.
A perfeição técnica e o virtuosismo académico do Ballet era sentido no final do século XVII e início do século XVIII.
O centro mundial da dança transferiu-se de Paris, para Moscou.
E a arte do Ballet, expandiu-se por toda parte, sendo cada vez mais difundida e aperfeiçoada enquanto técnica e arte.
Os famosos Ballets que foram compostos nesta época, são eternizados nos palcos de todo mundo até os dias actuais, são os chamados “Ballets de Repertório”, onde a música, a coreografia, o figurino e todo o virtuosismo, são mantidos por bailarinos que possuem a imensa responsabilidade de imortalizar a dança.
Alguns dos Ballets de Repertório mais famosos que existem são:

“O Quebra – Nozes”

“Gisele”

“O Lago dos Cisnes”

"A Bela Adormecida”

“Paquita”

“Don Quixote”

"Carmen"

entre tantos outros.